Como me encanta investigar y disfruto tanto el arte, me encontré esta imagen sencilla que destaca algunos detalles característicos de algunos artistas plásticos.
Voy a aprovechar esta imagen para compartir con ustedes un poco de cada uno de ellos y darles ideas para recrear y crear obras inspiradas en estos maravillosos artistas del siglo XX.
Pablo Picasso: fue un artista y pintor nacido en España, quien revolucionó, no sólo la pintura, el dibujo, la escultura y la cerámica, sino la forma en que el público apreciaría el arte. Es considerado uno de los artistas más importantes del siglo XX.
Como todo artista académico, inició pintando obras figurativas y explorando el uso del color. Realizó obras en las que utilizaba los tonos azules, casi todas ellas denotan mucha tristeza, en ellas muestra figuras alargadas de mendigos y personajes de la calle.Posteriormente entra en un periodo más alegre y pinta escenas de payasos y circos con un colorido brillante. Posteriormente inicia un periodo de exploración de las formas geométricas, al descomponer las formas de cuerpos y reconstruirlas con figuras geométricas, a este periodo se le llama CUBISMO, sin embargo continua explorando y retando las técnicas convencionales hasta alcanzar su propio estilo, por el cual se volvió tan famoso. Una mezcla entre CUBISMO y SURREALISMO podría describir su estilo particular.
"Todo niño es un artista. El problema es cómo seguir siendo artista cuando uno crece”.
Aquí te comparto algunas de sus obras y te invito a expresarte con recortes de cartulinas, imágenes que puedas recortar y descomponer en partes o simplemente colores e imitar a este artista, creando tus propias obras.
Joan Miró: Pintor, escultor, grabador y ceramista español. Como todo artista de inicios del siglo XX su pintura estuvo dominada por el EXPRESIONISMO al inicio de su carrera, sin embargo pronto se observarán las influencias del FAUVISMO y CUBISMO. Sus temas se encuentran centrados en los paisajes, retratos y desnudos, sin embargo su pintura empezó a evolucionar hacia una mayor definición de las formas simples, eliminando la luz como parte de su composición y dejando los colores puros. Cuando se desarrolla el SURREALISMO, Joan Miró explora y adopta algunos de sus principios, sin embargo también explora la configuración lineal y los colores primarios. Todo esto lo lleva a desarrollar su propia estética, caracterizada por colores y formas planas, figuras poco realistas y muy coloridas. Su obra es tanto SURREALISTA como ABSTRACTA.
Les comparto algunas de sus obras más características y los invito a recrearlas, así como a dejar fluir su imaginación y creatividad. Para recrear sus cuadros es importante tener a mano pinturas, marcadores o cartulinas de colores alegres, así como el negro.
Piet Mondrian: Artista Holandés que se inició pintando paisajes, sin embargo tras finalizar sus estudios, Mondrian experimentó con la luz, el color y la forma. Pronto se convirtió en uno de los pioneros del arte ABSTRACTO. Es precisamente su periodo puramente abstracto lo que lo lleva a tener gran renombre en todo el mundo. Uso líneas rectas horizontales y verticales, pintaba con colores primarios y con blanco, negro y distintos tonos de gris. Su práctica dio lugar a una nueva estética que admiraba la belleza ordenada, equilibrada y simple.
"Los artistas abstractos consideraban que los pintores, los escultores y los arquitectos debían trabajar juntos para crear un nuevo mundo en el que todos pudiéramos vivir en equilibrio con las leyes del universo"
Sus obras han inspirado a muchos diseñadores a incluir en objetos utilitarios y esculturas sus cuadros simples y coloridos. Tú puedes imitar a Mondrian cortando tiras rectas negras y cuadrados de distintos tamaños en colores rojo, amarillo, azul y blanco. Si te gusta usar la regla y la escuadra pues imita su obra con pinturas, creyones o marcadores.
Aunque no lo creas esta obra se basa en la observación y representación de un árbol. Interesante dato.
Paul Klee: Pintor violinista de origen Suizo, su período formativo se centró en la música, lo gráfico, la lectura de clásicos y en la observación de las obras de Blake, Klimt, Goya, Leonardo y Rembrandt. Posteriormente realizó una serie de dibujos inspirados en Van Gogh, Cézanne, Matisse y otros representantes de la escuela francesa. En París se relacionó con el CUBISMO y centró definitivamente su interés en el movimiento y el tiempo, la luz y el color, con primacía sobre los valores psicológicos de las formas. Su vida de recogimiento espiritual dio como resultado una prolífica obra. En 1920 ingresó en el movimiento de la BAUHAUS, Sus obras realizadas durante este período están repletas de imágenes misteriosas y de zonas cromáticas acompañadas de tenues signos gráficos. Sus obras se pueden considerar influenciadas por el SURREALISMO, el EXPRESIONISMO y el ABSTRACCIONISMO.
"Ese es el significado de esta hora feliz: El color y yo somos uno. Soy Pintor".
¿Te animas a imitar la obra de Paul Klee? Puedes usar papel de seda de distintos colores, al sobreponerlos lograrás experimentar de forma sencilla el disfrute y la maravilla del color que tanto enamoró a Klee.
Umberto Boccioni: Pintor y escultor italiano. Figura clave del FUTURISMO italiano, fue también uno de sus más destacados teóricos. Se interesó por la temática vinculada con la sociedad industrial moderna. Su obra se influenció en el SIMBOLISMO y el EXPRESIONISMO, experimentando en sus obras con dos conceptos: dinamismo y simultaneidad. Para representar la acción de un cuerpo parte del estudio de la musculatura y el movimiento humano. Dentro de su obra artística también se dejó influenciar por el CUBISMO. En cuanto a su actividad escultórica, que desarrolló paralelamente a la pictórica, fue pionero en el uso de nuevos materiales, como el cristal, el cemento o el hierro, así como en el aprovechamiento de la luz eléctrica. Boccioni fue un notable que desarrolló conceptos claves para el desarrollo formal del FUTURISMO como el de líneas-fuerza, simultaneidad, compenetración de planos y expansión de los cuerpos en la superficie. Conceptos todos ellos que reiteran una idea fundamental: la reciprocidad de relaciones entre los objetos y entre éstos y el ambiente que los circunda. Para los FUTURISTAS la ciudad simboliza la modernidad, el movimiento y la velocidad.
"Hay que destruir la nobleza totalmente literaria del mármol y del bronce... el escultor debe utilizar veinte materias diferentes o más aún en una sola obra, con tal que la emoción plástica lo exija."
En este caso te invito a poner una hoja transparente sobre una de sus obras y a tratar de ubicar con líneas ese movimiento que Boccioni trataba de expresar en sus obras.
Esta obra representa un análisis del cuerpo humano y su movimiento desde la visión FUTURISTA
Vasíli Kandinsky: Pintor ruso destacado pionero y teórico del arte ABSTRACTO. Se interesó por la cultura primitiva y las manifestaciones artísticas populares rusas ricas en ornamentos, también descubrió la obra de Rembrandt y Monet. De igual forma se interesa por el color desde el principio de la carrera y se puede apreciar en sus primeras pinturas la influencia del POSTIMPRESIONISMO y el FAUVISMO. El consideraba que la belleza de sus obras residía en la riqueza cromática y la simplificación formal, lo que lo llevó finalmente a trabajar el ABSTRACCIONISMO. Entre 1910 y 1914, Kandinsky pintó numerosas obras que agrupó en tres categorías: las impresiones, inspiradas en la naturaleza; las improvisaciones, expresión de emociones interiores; y las composiciones, que aunaban lo intuitivo con el más exigente rigor compositivo. Estos cuadros se caracterizan por la articulación de gruesas líneas negras con vivos colores; en ellos todavía se percibe un poco la presencia de la realidad. La influencia del entorno de la BAUHAUS se dejó sentir, y su obra experimentó una transición hacia una mayor estructuración, tanto compositiva como formal, que se ha dado en llamar el período arquitectural de su pintura, al cual siguió otro de transición en que experimentó con los trazos circulares y concéntricos.
Experimentar con Kandinsky es usar líneas negras y colores vivos, olvidar las formas figurativas y dejarse llevar. Las cartulinas de colores y un marcador negro son perfectos para inspirarte en su obra.
Gustav Klimt: Fue un pintor austriaco. Fue la figura más representativa del MODERNISMO PICTÓRICO en el mundo de habla alemana. Realizó paisajes plasmados con una concepción muy peculiar de la perspectiva y en los que predominan las tonalidades verdes, y después, sobre todo, figuras femeninas, que constituyen lo más conocido y valorado de su producción. En sus obras supo combinar el realismo del retrato con un decorativismo extremo en los fondos y los vestidos, en los que predominan los tonos amarillos y dorados y los motivos inspirados en las alas de mariposa o las colas de pavo real.
Puedes recrear o crear las obras de Klimt usando la técnica del Collage, recortando en revistas trozos de los tonos que tanto le gustaban, en el caso del arból puedes representar en papel y creyón o pintura las curvas que lo conforman. ¿Te animarías?
Salvador Dalí: El Pintor español de los bigotes extravagantes. Fue el más grande representante del SURREALISMO. Su precocidad fue sorprendente: a los doce años descubre el estilo de los IMPRESIONISTAS franceses y se hace impresionista; a los catorce ya había estudiado el arte de Picasso y se había hecho CUBISTA. Sus obras se caracterizaron por confusas ideas estéticas e impactante composiciones, a las que trasladó con magistral precisión técnica un personalísimo universo de sueños y simbolismos, tan nítido y luminoso como profundamente inquietante y perturbador. Tal metodología propugna un alejamiento de la realidad física en favor de la realidad mental: gracias a un uso controlado de la alucinación y del sueño, los objetos de la vida cotidiana se convierten en iconos de los deseos y temores del ser humano. Dalí decidió ser excesivo en todo, interpretar numerosos personajes.
Dalí fue un artísta muy complejo y por tanto es complicado recrear sus obras. Sin embargo te invito a recortar imágenes que se relacionen con algún sueño propio o con alguna de las obras que se exponen abajo y usando la técnica del Collage realiza tu propia obra.
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Henry Matisse: Pintor francés, máximo representante del FAUVISMO. En 1898 viajó a Londres, las obras producidas durante esos años, en los que se interesó vivamente por la pintura IMPRESIONISTA, son las conocidas como PROTOFAUVISTAS, por la riqueza de su colorido y el grueso empaste; son fundamentalmente paisajes. Matisse formaba parte de un movimiento pictórico bautizado como fauves (fieras). La reacción de los FAUVISTAS fue la más violenta que se produce contra el arte académico desde los IMPRESIONISTAS. Mediante el empleo agresivo de los colores puros querían poner de manifiesto que la superficie de tela impregnada de pintura es una realidad autónoma e independiente. Aunque Matisse sea conocido fundamentalmente como pintor, fue también un excelente escultor y dibujante. A lo largo de su dilatada carrera recibió las influencias de las sucesivas corrientes (NEOCLASICISMO, REALISMO, IMPRESIONISMO, NEOIMPRESIONISMO), que supo transformar en un lenguaje moderno. De gesto espontáneo y color puro, su obra daba las pautas de un estilo nuevo, lleno de vigor expresivo y que se negaba a ser una mera imitación de la naturaleza.
"Cuando pongo verde, no es yerba; cuando pongo azul, no es el cielo"
A Matisse le encantaban los Collage y el color. Puedes observa que trabajaba con colores planos que puedes representar con recortes de papel de colores o cartulinas, y también pintaba usando "manchas", si te gusta pintar la acuarela te ayudarà a conseguir este efecto. Recuerda experimentar y disfrutar.
Jackson Pollock: Pintor estadounidense. Durante su período de formación conoció la pintura de los MURALISTAS MEXICANOS, que le impresionó profundamente. Comenzó su carrera con obras figurativas, en las que presta ya particular atención al cromatismo. Hacia 1938 empezó a interesarse por la pintura abstracta e irracional, y para las obras de este período buscó inspiración en el mundo de los indios americanos. El año 1947 fue decisivo en su trayectoria, ya que fue cuando adoptó la peculiar técnica del dripping: en lugar de utilizar caballete y pinceles, colocaba en el suelo el lienzo y sobre él vertía o dejaba gotear la pintura, que manipulaba después con palos u otras herramientas, e incluso a veces le daba una gran consistencia mediante la adición de arena e incluso fragmentos de vidrio. Gracias al apoyo de algunos críticos, su nombre, asociado a las obras realizadas con la técnica del dripping, se convirtió en uno de los más significativos del EXPRESIONISMO ABSTRACTO y de la action painting. Fue además uno de los primeros artistas en eliminar de sus obras el concepto de composición y en mezclar signos caligráficos con los trazos pictóricos. A partir de la década de 1950, realizó pinturas abstractas y obras figurativas o semifigurativas en blanco y negro, pero su nombre ha pasado a la posteridad, sobre todo, en relación con los grandes lienzos abstractos de vivo colorido, donde los trazos se entrelazan hasta formar una trama densa y compacta (una especie de maraña) de gran impacto.
Pintar al "Estilo de Pollock" es muy divertido, pues la técnica del dripping, es tan sencilla como salpicar pinturas libremente en un papel. Escoge colores que contrasten y realiza algunas pruebas, después usa colores análogos y repite la experiencia en otro papel. Este estilo de pintar tiende a ensuciar mucho, te recomiendo que forres el piso o la mesa con plástico y uses ropa vieja. Permítete ser libre y disfrutar la experiencia de "salpicar pintura".
Fue divertido investigar, recordar y dejarles un pequeño resumen de estos maravillosos artistas, si se animan a pintar como alguno de ellos, no dejen de enviarme fotos de sus obras, junto con una breve reseña de su experiencia.
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